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marzo 4, 2021


Inmediatamente dice algo sobre las diferencias entre el brillante monólogo dramático de Jean Cocteau de 1928 La voz humana – como lo puso en pantalla por primera vez en 1948 Roberto Rossellini con la inmortal Anna Magnani – y Pedro Almodóvarsu nueva versión protagonizada por Tilda Swinton, que este último presenta seis cambios de vestuario en los primeros seis minutos, mientras que el original se contentó con un solo vestuario monótono.

Hay pocas obras de teatro de un solo personaje del siglo XX tan fascinantes y emocionalmente intrincadas como el soliloquio de Cocteau en el que una mujer pasa media hora al teléfono con su amante lidiando con la devastadora noticia de que está a punto de casarse con otra persona. Swinton pertenece indiscutiblemente al selecto grupo de actrices que podrían lograrlo, pero el siempre fascinante director español, en su primera aparición en inglés, también está preocupado por otros temas, en particular la noción de multa, si no (por él necesariamente) línea definible entre la vida real y el drama fabricado.

Fecha límite

Después de haber jugado en los Festivales de Cine de Venecia, Nueva York y BFI London, el corto de 30 minutos es un contendiente para la categoría de Cortometraje de acción en vivo de este año, mientras que un debut teatral a través de Sony Pictures Classics se mira en marzo.

Hay pocos cineastas contemporáneos, si es que hay alguno, tan devotos de los preceptos del melodrama como Almodóvar, incluso cuando a menudo los da vuelta y los utiliza para su propio uso imaginativamente perverso. La creación de Cocteau es un drama directo, sin adornos y sin adornos de muy alto nivel, completamente ambientado en el destartalado apartamento de una mujer de mediana edad que ha puesto toda su pila de fichas emocionales en un hombre al que ama desesperadamente. El monólogo, que se extiende a través de dos llamadas separadas, la envía a altibajos de emoción en un torrente de sentimiento que proviene de los dominios más profundos de su corazón y alma. El impacto neto, al menos cuando lo entrega una gran actriz como Magnani, es devastador. (Las otras versiones de alto perfil de la historia fueron protagonizadas por Ingrid Bergman en 1966 bajo la dirección de Ted Kotcheff para ABC-TV’s Stage 67, y Sophia Loren en 2014 dirigida por su hijo Edoardo Ponti, que se desarrolló en el Nápoles de la década de 1950).

Lo primero que vemos de Swinton (su personaje no tiene nombre), lleva un vestido rojo llameante sobre un fondo desnudo. Un momento después, se puso un traje negro y está en una ferretería examinando hachas: compra una y se la lleva a casa. Al llegar, distribuye un montón de DVD, uno de los cuales, destacado, es Matar a bill, lo que genera preocupaciones de que, en cuestión de minutos, Cocteau está a punto de ser arrojado a una licuadora con Tarantino.

Afortunadamente, la espada tiene un uso más benigno, pero un par de cambios más de vestuario más tarde, tomó 13 píldoras, que son de colores fuertes en una variedad de tonos vibrantes como solo Almodóvar podría haberlas dispuesto; la directora la viste con una sencilla chaqueta de cuero negra para esta ocasión. Más pertinentes son algunas perspectivas generales que revelan que Swinton reside en un elaborado estudio de cine ubicado en un escenario de sonido. Esto plantea de inmediato la pregunta de si está representando algún tipo de escenario preescrito o, más probablemente, se ha deslizado sobre la línea hacia una existencia alternativa extraña donde su vida dramática ha tomado el relevo de la real.

Tras esta deslumbrante y algo vertiginosa introducción, a Almodóvar solo le quedan unos 20 minutos para contar el resto de la historia. En lugar de limitarse a un teléfono, Swinton se pone auriculares, lo que le permite caminar sin obstáculos a través de su set de filmación “casa” mientras se entusiasma con sus cuatro años de felicidad, su necesidad de mantenerse ocupada y, tristemente, cómo “soy un desperdicio , Soy una ruina de lo que alguna vez fui “.

Ciertamente, en comparación con Magnani, cuya inversión en el papel parecía profunda, trágicamente profunda en cada momento, Swinton parece más frágil y neurótica, y aún así se controla a sí misma. Busca nerviosamente soluciones rápidas, tiritas emocionales: “Necesito inventar nuevos hábitos … Soy una ruina de lo que fui”, reflexiona por teléfono, pero uno no está convencido de que se trate de una mujer que se dejará demoler emocionalmente por el fin de una relación sentimental.

Sin duda, Swinton es fascinante de ver en todo momento, pero convertir al personaje en una actriz eminente desdibuja la distinción entre las emociones reales del personaje y las que elige expresar en un momento dado; ante una exposición tan breve, no la conocemos lo suficientemente bien como para juzgar si es sincera en su angustia emocional o simplemente una jugadora muy hábil. Su estatus profesional claramente augusto también pone en tela de juicio cuán sincera es en sus arrepentimientos y necesidad de su amante.

Momento a momento, Swinton, respaldada por su adorado director, el director de fotografía (José Luis Alcaine), el diseñador de vestuario (Sonia Grande) y el director de fotografía (Alberto Iglesias), ofrece una experiencia inolvidable. fuera de su actuación como una mujer que, a diferencia del original de Cocteau, es lograda, reconocida y, muy probablemente, acostumbrada a conseguir lo que quiere. Sin su amante, todavía tiene mucho que ofrecer, a diferencia de la creación de Cocteau. Con Magnani, el personaje se derriba, al igual que el espectador. Con Swinton, estás dispuesto a apostar que ella pasará la página no muchos más cambios de vestuario a partir de ahora.





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